Más allá del glitter

A primera vista el arte drag y el glam metal pueden parecer expresiones distantes, ambas comparten una raíz común: el deseo de desafiar las normas impuestas sobre el género, la imagen y la libertad individual. Surgido en la década de 1980, el glam metal —también conocido como hair metal— fue un subgénero del rock que combinó el sonido potente del hard rock con una estética deliberadamente andrógina y teatral. Bandas como Mötley Crüe, Poison o Twisted Sister adoptaron el maquillaje, las mallas brillantes, los tacones, las pelucas y los cuerpos hipersexualizados como una declaración visual de exceso y rebeldía.

Aunque sus protagonistas eran, en su mayoría, hombres heterosexuales, su apariencia rompía con los códigos tradicionales de masculinidad. En este sentido, el glam metal anticipó muchas de las estrategias visuales que luego adoptaría el arte drag: el maquillaje exagerado, la expresión hiperbólica del género, la teatralidad, y el uso del cuerpo como lienzo para cuestionar las normas.

Esta estética no era sólo un estilo: era también una forma de libertad. En un momento en el que el conservadurismo moral ganaba terreno, la imagen de un hombre maquillado, vestido de lentejuelas y gritando al micrófono que no se iba a someter (We’re Not Gonna Take It, Twisted Sister) se convirtió en un acto de resistencia, aunque no siempre intencionado. Así como el drag expone y satiriza los roles de género desde la exageración, el glam metal, sin saberlo, ofrecía un modelo de ambigüedad liberadora.

Para muchas personas queer, estas figuras glam fueron las primeras imágenes públicas de hombres que desafiaban la rigidez del género. Aunque no se identificaran como parte de la comunidad LGBT+, su mera presencia en la televisión o en un escenario ofrecía un resquicio de posibilidad: si ellos podían maquillarse, gritar y brillar, tal vez otros también podían.

Hoy, el arte drag recupera esas referencias y las transforma. Reinas como Trixie Mattel o Crystal Methyd han rendido homenaje explícito al glam metal, no sólo en sus looks, sino también en su actitud. La mezcla de punk, humor, irreverencia y feminidad artificial sigue viva, ahora con un sentido más político y consciente. En ambos casos, lo que está en juego no es solo el espectáculo, sino el derecho a expresarse sin miedo.

El drag, más allá de su estética llamativa y vestuarios extravagantes, representa una experiencia profunda de libertad y autoexpresión. Según Aunam Noticias, muchas artistas drag mexicanas viven esta práctica como una catarsis emocional y una forma poderosa de resistir las normas sociales que limitan las expresiones de género y sexualidad. Cada performance se convierte en una declaración de autonomía personal, donde el cuerpo actúa como un lienzo político que desafía estructuras de poder y discriminación.

En el escenario, la drag queen reivindica identidades históricamente marginadas, reformulando los límites de lo que la sociedad considera aceptable o normativo. Así, el drag no solo entretiene: también visibiliza y empodera, invitando a reflexionar sobre la diversidad, la inclusión y la libertad individual, en un contexto donde la lucha por los derechos LGBTQ+ sigue siendo crucial.

Desde esta perspectiva, el drag no solo es arte, sino también una manifestación política activa. El artículo del noticiero N+ “El drag mexicano: arte y manifestación política” explica cómo esta práctica trasciende el entretenimiento para convertirse en una herramienta de protesta, visibilidad y resistencia. Confronta normas sociales y denuncia violencias que afectan a la comunidad LGBTQ+.

Roberto García, de Vecinas de la Calle J., declaró a N+: “El drag por sí mismo es político. Tiene una fuerza y una capacidad de decir muchas cosas, simplemente porque ya te capturó con sus brillos, su maquillaje, su presencia... entonces hay que aprovechar eso para comunicar”